1- ANTIGÜEDAD
Desde que hay
hombres sobre la tierra, existen manifestaciones musicales, pues estas son
consecuencia de la necesidad del hombre de comunicarse o de expresar
sentimientos. Incluso antes de que el hombre fabricase instrumentos musicales
ya hacía música cantando, aplaudiendo o golpeando objetos. Esas primeras
canciones se harían a base de muchas repeticiones o eran de un ámbito melódico
muy limitado, muy cercanas al lenguaje hablado. Se conservan huellas de un
cierto lenguaje musical en unos jeroglíficos que indican el ascenso o descenso
del sonido mediante el movimiento de la mano. Desde los tiempos más antiguos,
en China la música era tenida en máxima consideración. Todas las dinastías le
dedican un apartado especial. Aún hoy la música China está empapada de la
tradición secular, legendaria y misteriosa de una de las filosofías más
antiguas del mundo. En el teatro chino tradicional, la música juega un papel
fundamental anexo a las representaciones. La música en Egipto poseía avanzados
conocimientos que eran reservados para los sacerdotes, en el Imperio Nuevo
utilizaban ya la escala de siete sonidos. En Mesopotamia los músicos eran
considerados personas de gran prestigio, acompañaban al monarca no sólo en los
actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en las
guerras.
Características
La mayoría de
las músicas de este continente coinciden en algunos rasgos a pesar de la
diversidad de estilos y colores étnicos. Poseen muchos instrumentos que se
ejecutan por separado, acompañando el canto y en pequeños grupos. Se destaca
una tendencia a la simultaneidad de expresiones musicales: desde distintas
voces (polifonía) a distintos ritmos (polirritmia), debido a la costumbre de
tocar en varios subgrupos pequeños. La percusión suele acompañar todas las
melodías, e incluso instrumentos melódicos como las flautas y las cuerdas
suelen tocar un acompañamiento percusivo. La evolución melódica está sujeta a
la improvisación de motivos cortos y repetitivos.
Compositores
En Roma se
asignaba esa tarea a otros creadores. Por ejemplo Flaco, hijo de Claudio, fue
el autor de músicas para las obras de Terencio. También se destacaron músicos
provincianos, como los griegos Terpnos (gran intérprete de cítara y maestro de
Nerón), Menícrates, Polión y Mesomedes, autor de himnos a Helios y Némesis.
2- EDAD MEDIA
La Música
medieval comprende toda la música europea compuesta durante la Edad Media. Esta
etapa comienza con la caída del Imperio Romano en 476 y finaliza
aproximadamente hacia mediados del siglo XV. Pese a que el fin de la época
medieval y el comienzo del Renacimiento es un límite claramente arbitrario y
difuso, lo consideraremos situado hacia 1400. Alrededor del 1011 d. C., la
Iglesia Católica Romana quiso estandarizar la celebración de la misa y los
cantos. En esa época, Roma era el centro religioso de la Europa occidental y
París era el centro político. Por el siglo XII y XIII los cantos gregorianos
habían superado a todas las otras tradiciones de cantos occidentales, con la
excepción de los cantos Ambrosianos en Milán y los cantos mozárabes en unas
pocas capillas españolas. La denominada Ars nova fue una corriente musical del
siglo XIV que nació como contraposición al estilo anterior (Ars antiqua). Los
ritmos, temas y las melodías se vuelven más variados. Machaut es el exponente
más importante de esta corriente artística.
Características
En la notación
medieval antigua, el ritmo no puede ser especificado, si bien la notación
neumática pueden dar claras ideas de fraseos, y otras notaciones posteriores
indican el uso de modos rítmicos. La simplicidad del canto, con la voz al
unísono y la declamación natural es muy común. La notación de la polifonía se
va desarrollando, y su asunción significa que las primeras prácticas formales
se inician en ese periodo. La armonía, con intervalos consonantes de quintas
justas, octavas (y después, cuartas justas) comienza a escribirse. La notación
rítmica permite complejas interacciones entre múltiples líneas vocales de un
modo repetible. El uso de múltiples textos y la notación del acompañamiento
instrumental se desarrollan al fin de la era. Muchos de los instrumentos usados
en la época medieval, perviven aún hoy en día en diferentes formas, aunque su
popularidad ha ido decayendo. El cornete medieval es muy diferente de su
equivalente moderno, la trompeta.
Compositores
compositores
que escribieron la era medieval tardía, ver a Francesco Landini, Gherardello da
Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Paolo da Firenze (Paolo
Tenorista), Giovanni da Firenze (también conocido como Giovanni da Cascia),
Bartolino da Padova, Jacopo da Bologna, Donato da Cascia, Lorenzo Masini,
Niccolò da Perugia, y Maestro Piero.
3-
RENACIMIENTO
La música
renacentista es la música clásica europea escrita durante el Renacimiento,
entre los años 1400 a 1600 aproximadamente. Definir el inicio de la era es
difícil, dada la falta de grandes cambios en el pensamiento musical del siglo
XV. Además, el proceso por el cual la música adquirió sus características
renacentistas fue gradual. Van desapareciendo los rasgos de la música medieval
tardía, tales como la isorritmia y la sincopación extrema, resultando un estilo
más límpido y fluido. Si bien se perdió complejidad rítmica, se ganó en
vitalidad rítmica y el empuje armónico cadencial se convirtió en un aspecto
importante hacia mediados del siglo.
Hacia el final
del siglo XV, la música sagrada polifónica había llegado a ser de nuevo más
compleja, de una forma que se puede quizás correlacionar con el detallismo
imperante en la pintura de la época. Ockeghem, particularmente, estaba
encariñado con el Canon, contrapuntal y mensural. Incluso compuso una misa en
la cual todas las piezas se derivaban canónicamente a partir de una línea
musical.
Características
La creciente
dependencia del intervalo de tercera como consonancia es una de las
características más pronunciadas de la música renacentista. La polifonía, usada
desde el siglo XII, se volvió bastante elaborada, con un creciente número de
voces independientes durante el siglo XIV. Las características modales
(opuestas a las tonales) de la música del Renacimiento comenzaron a agotarse
hacia el final del período con el uso creciente de intervalos de quinta como
movimientos raíces. Desde entonces esto se ha convertido en una de las
características de definición de tonalidad. Las formas litúrgicas más importantes
que se mantuvieron durante el Renacimiento fueron las misas y los motetes, con
algunas innovaciones hacia el final
La música
instrumental incluye la música para conjuntos de flauta de pico, viola y otros
instrumentos así como danzas para varios conjuntos. Los géneros más comunes
fueron la toccata, el preludio, el ricercar y la canzona.
Compositores
Algunos de los
compositores fueron, Giovanni Pierluigi da Palestrina uno de los más
reconocidos en la época, además Johannes Ockeghem y de Jacob Obrecht.
4- BARROCO
La música del
periodo barroco es el género musical relacionado con una época cultural
europea, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII
(aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta
la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750). Entre 1607 y 1642, la evolución
de este género se puso irreversible, y influiría en toda la música compuesta
después. La expresión, el eslabón entre el texto y música, se pone al frente.
El siglo de XVII se construyó obviamente en la música del siglo precediendo, en
eso consistió en primero perfeccionar lo que los amos del Renacimiento habían
hecho, y entonces introdujo nuevas formas de música (ópera, oratoria,
concierto, la sonata). El primer país para considerar cuando examinando la
historia de música barroca es Italia. Todas las nuevas formas se levantaron
allí. El deseo de imitar el coro griego llevó al concepto de ópera. Nació en
Italia alrededor de 1600, y es una parte grande de la evolución del estilo
vocal secular. Algunos compositores, como Caccini, empezaron a cambiar el papel
de la voz para aumentar expresión personal y fidelidad al poeta, en tragedia
así como la comedia.
Características
Se trata de
una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes
de la música occidental, y la más influyente. Su característica más notoria es
probablemente el uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía
tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales. En
esta época se desarrollan la sonata, el concerto grosso y el ballet francés.
Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música
como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la
oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco. Se
buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía
renacentista para dar lugar a la homofonía (la polifonía recuperará más tarde
con Bach todo el esplendor que la ha caracterizado), dando de esta manera más
fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola
melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera “entendible” el
texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.
Compositores
Algunos de sus
compositores son los siguientes: de Italia Giovanni Gabrieli, Claudio
Monteverdi, Arcangelo Corelli, Giuseppe Torelli, Alessandro Scarlatti; en la
primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi y Domenico Scarlatti. Para
Alemania En la segunda mitad del siglo XVII, Dietrich Buxtehude, Johann
Pachelbel, Johann Jakob Froberger y Georg Muffat y el muy conocido Johann
Sebastian Bach. Para Inglaterra John Blow y su alumno Henry Purcell los más
destacados e influyentes en la segunda mitad del siglo XVII. En Francia durante
la primera mitad del siglo XVIII, Georg Friedrich Händel, Jean-Baptiste Lully,
Marc Antoine Charpentier y para España Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de
Literes, el Padre Soler, Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José Marín, Luys de
Milán, José de Nebra, Francisco Corselli, José de Torres, Jaime Facco y Joaquín
García.
5- CLÁSICO
Entre 1730 y
1820, fue una era importante que estableció varias de las normas de composición
y estructura. Durante el período Clásico, la sonata trío del Barroco dio lugar
a la sonata clásica y la obertura italiana se desarrolló hasta conformar la
sinfonía clásica. La orquesta, que había comenzado a tomar forma durante el
período Barroco, comenzó a crecer y alcanzar un mayor equilibrio;
eventualmente, el uso del continuo del clave cayó en desuso. En un comienzo,
entre l740 y l765, aparece el llamado estilo rococó, una derivación del último
barroco, sumamente estilizado y, sobre todo ornamentado. Serán los propios
hijos de Bach, sobre todo Johann Christian y Carl Philippe Emanuel quienes, en
Londres, Hamburgo y Berlín, hagan brillar este estilo. En los años sesenta,
Haydn escribe ya sonatas para piano con este evolucionado esquema, en las que
no se ven huellas del mundo galante del clave. Las sinfonías de Haydn a partir
de entonces, las de Mozart y las primeras de Beethoven serán la mejor
consecuencia de la forma sonata, del equilibrio y proporción apolinea de su
estructura, de un clasicismo, en fin, que no ha dejado nunca de tener vigencia.
Durante la
primera mitad del siglo XVIII la ópera se había convertido en un espectáculo
aparatoso y brillante al servicio de reyes y cortesanos de toda Europa. Desde
Portugal a Rusia imperaba la tragedia lírica, cuyo modelo fueron primero las
óperas de A. Scarlatti, en Italia y de Lully en Francia, a quien siguió el
magnifico Rameau, óperas montadas con los más sorprendentes efectos y un lujo
dispendioso.
Características
Es considerado
el estilo caracterizado por la evolución hacia una música equilibrada entre
estructura y melodía. Su diferencia con la música barroca es que ya no son las
mismas figuras musicales, todas rápidas. El período clásico también está
marcado por la desaparición del clavicémbalo y el clavicordio en favor del
nuevo piano, que a partir de ese momento se convirtió en el instrumento
predominante para la interpretación en teclado y la composición. La música del
periodo clásico aumentó su sentido y hablo a la humanidad. Espíritu y
sentimiento quedaron así tan equilibrados como contenido y forma. El clásico
mantuvo también una delimitación de los medios en lo referente a estructura,
armonía, instrumentación.
Compositores
Franz Joseph
Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son sus tres
representantes más destacados. Su primer gran exponente fue La sierva padrona
de Pergolesi y llegó a su cúspide con Mozart
6-
ROMANTICISMO
El
romanticismo fue un período que transcurrió aproximadamente entre principios de
los años 1800 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música
escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período. El romanticismo
musical es un período de la música académica que fue precedido por el
clasicismo y continuado por el modernismo. Período en que se codificó la
práctica, se expandió el rol de la música en la vida cultural y se crearon
instituciones para la enseñanza, ejecución y conservación de las obras
musicales.
La
controversia se inició en los años 1830 cuando Hector Berlioz compuso su
Sinfonía fantástica, que se presentó acompañada de extenso texto que describía
el programa de la sinfonía, lo que causó que muchos críticos y académicos
opinaran sobre la cuestión. Entre los primeros detractores se encontraba
François-Joseph Fétis, director del recién creado Conservatorio de Bruselas,
que declaró que la obra “no era música”.
Características
El
romanticismo musical está relacionado con el romanticismo, la corriente de
cambios en literatura, bellas artes y filosofía, aunque suele haber ligeras
diferencias temporales, dado que el romanticismo en aquellas artes y en la
filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y 1840. El romanticismo como
movimiento global en las artes y la filosofía, tiene como precepto que la
verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades
inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la
intuición. La música del romanticismo intentaba expresar estas emociones y
describir esas verdades más profundas, mientras preservaba o incluso expandía
las estructuras formales del período clásico.
Compositores
En el primer
grupo de compositores se suele agrupar Louis Spohr, E. T. A. Hoffmann, Carl
Maria von Weber y Franz Schubert. La siguiente cohorte de compositores
románticos incluye a Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin y Hector
Berlioz. Las obras de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti fueron inmensamente
populares en esta época. Muchos de los compositores que nacieron en el siglo
XIX y continuaron componiendo ya entrado el siglo XX, utilizaron formas que
estaban en clara conexión con la era musical previa, incluyendo a Sergei
Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss y Kurt Atterberg.
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